En 2022, la cinéaste métisse originaire de la Saskatchewan, Gail Maurice, présentait son premier long métrage Rosie, en ouverture d’image+nation. Cette année, elle récidive avec son deuxième film, Blood Lines. Rencontre avec une artiste qui promet de vous toucher droit au cœur avec un film à la fois profondément queer et métis. Le scénario du film est admirablement...

Avec Only Good Things (Apenas Coisas Boas), le cinéaste brésilien Daniel Nolasco signe un film aussi déroutant qu’envoûtant, où le désir, la mémoire et la mort s’entrelacent dans un univers aussi sensuel que spectral. Après Dry Windet Mr. Leather, Nolasco poursuit son exploration des masculinités queer et du rapport trouble entre érotisme, violence et liberté. L’action se déroule en 1984, dans...

Le cinéma queer britannique s’apprête à faire vibrer les spectateurs du festival Image+nation avec Pillion, un film aussi cru qu’émouvant sur le désir, le pouvoir et les liens inattendus qui se tissent dans le monde du cuir. Porté par Alexander Skarsgård (Big Little Lies, True Blood) et Harry Melling (le cousin agaçant de Harry Potter devenu acteur …

Cuir, motos, domination, soumission… et beaucoup de tendresse. Avec Pillion, son premier long métrage, le réalisateur britannique Harry Lighton signe une œuvre à la fois crue et délicieusement romantique, qui plonge dans un univers queer rarement représenté à l’écran. Présenté au plus réçent Festival de Cannes, le film met en vedette Alexander Skarsgård (Succession) et Harry Melling (Harry Potter, The Pale Blue …

Présenté au Marché du film de Cannes, Montréal, ma belle (Montreal, My Beautiful) marque un tournant majeur dans le cinéma québécois et international. Signé par la réalisatrice sino-canadienne Xiaodan He, ce drame familial intime et audacieux est le premier long métrage destiné aux salles de cinéma à placer au cœur de son récit une protagoniste lesbienne chinoise. L’actrice Joan Chen...

Avec Only Good Things (Apenas Coisas Boas), le cinéaste brésilien Daniel Nolasco signe un film aussi déroutant qu’envoûtant, où le désir, la mémoire et la mort s’entrelacent dans un univers aussi sensuel que spectral. Après Dry Windet Mr. Leather, Nolasco poursuit son exploration des masculinités queer et du rapport trouble entre érotisme, violence et liberté.

Dans Sandbag Dam, une petite communauté rurale est menacée à la fois par une crue imminente… et par l’amour. La réalisatrice croate Čejen Černić Čanak signe un drame tendre et tendu à la fois, où un adolescent, Marko, doit affronter des émotions aussi dangereuses, à ses yeux, que les eaux qui montent. Lorsque son ami d’enfance Slaven revient au village, les sentiments qui l’avaient poussé à fuir refont surface.

Le fleuve traverse Sandbag Dam comme une vérité indicible, toujours contenue, toujours menaçante. Dans le film à la fois tendre et sans compromis de la réalisatrice croate Ceen Cernic Canak, cette eau qui gronde devient le reflet d’une autre force : le désir retenu, l’attirance enfouie, le poids du silence.

Si l’on connaît Jean-Pierre Bergeron pour ses rôles au cinéma et à la télévision depuis des décennies, ce n’est que depuis peu que l’on peut apprécier son travail de réalisateur. Plus de dix ans après avoir réalisé Alone with Mr. Carter, un court métrage mettant en vedette entre autres Robert Naylor, celui que l’on a connu (parfois comme un dur) dans des œuvres comme Les filles de Caleb, Les doigts croches, L’eau chaude, l’eau frette, Faits divers ou Le purgatoire des intimes, signe son premier long métrage, Old Guys in Bed : un film qui explore les relations entre personnes homosexuelles âgées à l’ère numérique actuelle.

Présenté à la Quinzaine des cinéastes à Cannes, Enzo n’est pas qu’un film sur l’adolescence et le désir : c’est aussi un geste de transmission. D’abord imaginé par Laurent Cantet, le réalisateur d’Entre les murs, le projet a été repris et mené à terme par Robin Campillo (120 battements par minute), son ami de longue date. Ensemble, malgré la disparition de Cantet en 2024, ils signent un film d’une grande justesse, tout en tension retenue, sur la quête de soi et les premiers émois d’un garçon de seize ans qui cherche sa place entre le confort familial et la rudesse du monde.

Figure incontournable de la scène drag new-yorkaise et icône trans adorée du public de RuPaul’s Drag Race, Miss Peppermint fait aujourd’hui l’objet d’un documentaire intime et inspirant. Réalisé par Oriel Pe’er, A Deeper Love: The Story of Miss Peppermint propose un voyage de 86 minutes au cœur de la vie et de la carrière de cette artiste hors norme, en dévoilant les zones d’ombre derrière la gloire. Si Peppermint a conquis instantanément les fans lors de la neuvième saison de Drag Race, le film s’attache à révéler ce qui se cache derrière les paillettes.

Julian marque les débuts remarqués de la réalisatrice flamande Cato Kusters. Inspiré du bouleversant récit autobiographique de Fleur Pierets, le film retrace une histoire d’amour réelle et militante : celle de deux femmes décidées à se marier dans tous les pays du monde où le mariage entre personnes de même sexe est reconnu.

Après un mariage de convenance, Reza voit son amoureux tué en pleine rue et fuit l’Iran pour sauver sa peau. En Europe, il croise Saad, un Marocain qui a quitté son pays natal pour goûter à la liberté d’être et d’aimer. Ensemble, ils arrivent clandestinement à Montréal. Tandis que Reza doit vivre dans l’ombre, Saad, qui a trouvé le moyen d’effacer les traces de son identité, tente de sauver celui qu’il aime en se glissant dans les draps d’un adjoint de la ministre de l’Immigration. Leur histoire poignante est au cœur du film On sera heureux, scénarisé par Michel Marc Bouchard et réalisé par Léa Pool.

Pour son film Amantes, Caroline Fournier explore la romance lesbienne sur le mode de la comédie dramatique douce-amère. La première scène du film donne le ton, alors que Ruby introduit son balado Tout le monde veut dire je t’aime. Si cette dernière narre en voix hors champ les premiers instants du film, elle en introduit également la prémisse.

Avec The History of Sound, le cinéaste sud-africain Oliver Hermanus signe un film d’une élégance rare, où la musique, la mémoire et le silence se fondent en un même langage. Adapté d’une nouvelle de Ben Shattuck, le long métrage — porté par Paul Mescal et Josh O’Connor — explore l’amour, la perte et le passage du temps à travers la rencontre de deux jeunes hommes à la fin de la Première Guerre mondiale. Au cœur du film, un motif : celui du son comme mémoire. Lionel et David sillonnent la campagne américaine pour enregistrer des chansons folkloriques sur des cylindres de cire, espérant préserver les voix d’un monde sur le point de disparaître.

Lionel est un chanteur timide, mais prometteur. David, un compositeur plein d’entrain. Quand ils se croisent autour d’un piano, leur connexion les renverse, même si l’époque impose la discrétion. À l’hiver 1920, les deux hommes parcourent les forêts et les îles du Maine, afin d’enregistrer les chants folkloriques d’une époque menacée par l’oubli. Profond, délicat et subtile, The History of Sound est un film absolument mémorable dans lequel Paul Mescal et Josh O’Connor livrent des prestations magistrales. Fugues a discuté avec Oliver Hermanus, le réalisateur du film qui vient tout juste d’arriver en salles.

Après A Date for Mad Mary, Darren Thornton signe avec Colin Thornton un retour aussi tendre que piquant avec Four Mothers, chronique mère-fils à l’humour salé-sucré, campée dans l’Irlande d’aujourd’hui. Romancier jeunesse, Edward (James McArdle, bouleversant de retenue) s’occupe à temps plein d’Alma (Fionnula Flanagan), sa mère mutique depuis un AVC, qui gouverne la maisonnée à coups de cloche et via une voix synthétique sur iPad. Éternel conciliant, Edward s’est effacé au point que ses trois meilleurs amis — eux-mêmes débordés par leurs mères — profitent d’un week-end Pride à l’étranger pour… lui déposer leurs mères âgées.

Parmi les courts métrages présentés à Image+nation, notons la projection de 3 des 7 courts métrages réalisés dans le cadre de l’exposition qui se déroule aux Archives Gaies du Québec d’ici le 20 décembre. On y voit les entrevues avec Denis B. Lapointe (sur La militance gaie à Montréal 1976-1984), Gilbert Higgins (sur La rafle du Truxx) et Gregory Rowe (Face au VIH – la résilience 1983-1990) qu’a réalisé l’auteur et journaliste François Bellemare, commissaire de l’exposition.

Il y a des films qui se glissent doucement sous la peau, qui ne cherchent pas à éblouir mais à révéler des blessures enfouies. In Ashes, du cinéaste danois Ludvig Christian Næsted Poulsen, appartient à cette catégorie rare. Ce drame d’une grande délicatesse suit la lente dérive d’un jeune homme gai dans la vingtaine, incapable de se remettre de son premier amour. Dans un monde où l’on efface et remplace d’un simple balayage de doigt, la douleur du deuil amoureux devient ici une exploration poignante de la solitude moderne et du besoin viscéral de connexion.

« It’s just a jump to the left… » Cinquante ans après la sortie de la version cinéma, The Rocky Horror Show a enfin droit à son documentaire.  Sane Inside Insanity – The Phenomenon of Rocky Horror retrace l’itinéraire de cette œuvre culte, de son succès théâtral initial jusqu’à son statut de phénomène mondial indestructible.

Inspiré par une rupture et des traumatismes vécus, le scénariste, coréalisateur, producteur et acteur britannique Lloyd Eyre-Morgan s’est de nouveau associé à son complice de longue date, le coréalisateur et producteur Neil Ely, pour canaliser ses émotions dans leur plus récent long métrage, la comédie dramatique noire Departures. Nous leur avons posé 5 questions… sur ce film qui sera présenté dans le cadre d’image+nation cette année.

C’est à Manchester, entre journées de boulot ordinaire et nuits de tournage improvisées, qu’est né Departures, une comédie dramatique queer aussi hilarante que déchirante. Ce premier long métrage de Lloyd Eyre-Morgan et Neil Ely, deux cinéastes issus de la classe ouvrière britannique, sera présenté en novembre à Montréal après avoir conquis le public du festival BFI Flare à Londres.

Plongée dans l’émergente scène queer souterraine d’Iran, Between Dreams and Hope raconte l’histoire universelle d’un jeune couple qui rêve, comme tant d’autres, de vivre librement son amour. Azad (Fereshteh Hosseini), un homme trans, et sa partenaire Nora (Sadaf Asgari) s’épanouissent à Téhéran, entourés d’ami·e·s qui partagent leurs idéaux.

Le Festival image+nation marque un grand coup cette année! Le 23 novembre, il présente en première mondiale le premier épisode de Rivalité brûlante (Heated Rivalry). Signée Jacob Tierney et financée par le Fonds des médias du Canada, la série débarque sur Crave le 28 novembre. Entre passion et compétition, Hudson Williams et Connor Storrie incarnent deux joueurs de hockey étoiles pris dans une romance enflammée. Rencontre avec Jacob et ses vedettes de la patinoire.

Le nouveau film musical de Corey Payette, Starwalker, arrive sur les écrans avec une énergie flamboyante et un propos à la fois intime et politique. L’artiste oji-cri, reconnu pour ses œuvres marquantes comme Children of God ou Les Filles du Roi, s’aventure cette fois dans l’univers contemporain des drag queens de Vancouver, tout en y insufflant l’âme de la culture autochtone et la quête identitaire de son héros.

Portant haut l’esprit rebelle du punk, le groupe malaisien Shh…Diam! incarne une forme de résistance queer dans un pays où leurs simples existences sont criminalisées. Leur nom — qui signifie « Tais-toi! » — est une provocation hilarante, un doigt d’honneur ironique à leurs détracteurs. Sur scène, impossible de les faire taire : leur musique rugit, électrise et défie l’ordre établi. Dans une Malaisie où l’homosexualité et l’expression de genre sont interdites par la loi, leur démarche devient un acte de bravoure.

Après le succès de Wildhood, Bretten Hannam revient avec Sk+te’ kmujue’katik (At the Place of Ghosts). Ce film sera projeté au festival image+nation. L’artiste bispirituel.le est d’ailleurs « très content.e » de pouvoir présenter le film « proche de la maison », iel qui vient du village de Bear River, proche de la communauté mi’kmaq du même nom. Sk+te’ kmujue’katik (At the Place of Ghosts) flirte avec le thriller et raconte l’histoire de deux frères séparés durant l’âge adulte qui se retrouvent à devoir (presque littéralement) affronter leurs démons. Entrevue.

Le film avec une statique importante : 331 votes pour le mariage des couples de même sexe en France versus 225 votes contre. Si le mariage pour tous est bel et bien entériné depuis 2013, les résultats serrés sont exemplaires de la polarisation du débat (de 136 heures en assemblée) sur la question. Si ce second long-métrage d’Alice Douard débute à Paris, au printemps 2014, il démontre bien, au fil du déroulement de l’histoire, la difficulté pour un couple de lesbiennes d’avoir un enfant.

Perché dans un village de montagne en Grèce, Bearcave (La caverne de l’ours) trace les contours sensibles d’une amitié féminine où s’éveille un amour inavoué. Le film, premier long métrage des coréalisateurs Stergios Dinopoulos et Krysianna Papadakis, s’inspire à la fois des mythes anciens et des réalités contemporaines pour livrer un récit à la fois poétique, sensuel et profondément queer.

Plainclothes, le premier long métrage du cinéaste et scénariste queer Carmen Emmi, n’est pas aussi simple que son titre le laisse entendre. L’expression « plainclothes » (vêtements civils) cache un double sens : aucun des deux personnages principaux — Lucas (Tom Blyth) et Andrew (l’acteur ouvertement gai Russell Tovey) — ne porte son « uniforme » lorsque leurs chemins se croisent pour la première fois.

Avec Plainclothes, son premier long métrage, Carmen Emmi déterre un chapitre de l’histoire queer américaine et transforme la persécution d’État en une méditation troublante sur l’amour, la loyauté et les calculs cruels de la survie.

Un tout nouvel extrait du thriller romantique Plainclothes vient d’être dévoilé. Et ce film promet de faire monter la température. Dans cette scène, Tom Blyth (The Hunger Games) et Russell Tovey (Years and Years, acteur ouvertement gai) se laissent emporter par ce qui semble être une rencontre très intense.

Dans Sandbag Dam, une petite communauté rurale est menacée à la fois par une crue imminente… et par l’amour. La réalisatrice croate Čejen Černić Čanak signe un drame tendre et tendu à la fois, où un adolescent, Marko, doit affronter des émotions aussi dangereuses, à ses yeux, que les eaux qui montent. Lorsque son ami d’enfance Slaven revient au village, les sentiments qui l’avaient poussé à fuir refont surface.

Le fleuve traverse Sandbag Dam comme une vérité indicible, toujours contenue, toujours menaçante. Dans le film à la fois tendre et sans compromis de la réalisatrice croate Ceen Cernic Canak, cette eau qui gronde devient le reflet d’une autre force : le désir retenu, l’attirance enfouie, le poids du silence.

Ce documentaire réalisé par Drew Denny propose une plongée fascinante dans un univers que l’on croyait connaître : celui de la nature. Loin des clichés et des idées reçues, Second Nature met en lumière plus de 1 500 espèces animales qui adoptent des comportements sexuels entre individus du même sexe, qui changent de sexe, qui vivent dans des sociétés matriarcales… et bien davantage.

Pour son film Amantes, Caroline Fournier explore la romance lesbienne sur le mode de la comédie dramatique douce-amère. La première scène du film donne le ton, alors que Ruby introduit son balado Tout le monde veut dire je t’aime. Si cette dernière narre en voix hors champ les premiers instants du film, elle en introduit également la prémisse.

Sélectionné pour représenter la Croatie dans la course à l’Oscar du meilleur film international 2025, Beautiful Evening, Beautiful Day d’Ivona Juka plonge dans la Yougoslavie de l’après-guerre, à la croisée de la passion, de la censure et de la solidarité entre artistes queer. Inspirée par le destin d’un parent cinéaste victime de la répression sous Tito, Ivona Juka signe une fresque historique aussi intime que politique, où la tendresse des amitiés et des amours queer se heurte à la violence du pouvoir.

Avec Rising Through the Fray, la cinéaste Courtney Montour signe un documentaire vibrant sur Indigenous Rising, la toute première équipe de roller derby à représenter plusieurs Nations autochtones lors de la Coupe du monde de roller derby. Ce collectif unique réunit des joueuses venues de divers continents, unies par la même volonté : occuper leur place dans un sport qu’elles aiment, mais où la diversité reste encore trop rare.

Dans un autre film, l’histoire commencerait comme une comédie romantique : Faheem, étudiant cachemiri, offre un fruit à un inconnu — une pomme, symbole d’un désir naissant. Mais ici, le geste a lieu à un poste militaire. L’homme en uniforme, Karun, n’est pas n’importe qui : c’est un soldat indien affecté à la surveillance d’un point de passage dans la vallée de Gurez, tout près de la frontière pakistanaise. En quelques secondes, l’attirance s’impose, silencieuse, foudroyante, impossible.

Inspiré par une rupture et des traumatismes vécus, le scénariste, coréalisateur, producteur et acteur britannique Lloyd Eyre-Morgan s’est de nouveau associé à son complice de longue date, le coréalisateur et producteur Neil Ely, pour canaliser ses émotions dans leur plus récent long métrage, la comédie dramatique noire Departures. Nous leur avons posé 5 questions… sur ce film qui sera présenté dans le cadre d’image+nation cette année.

C’est à Manchester, entre journées de boulot ordinaire et nuits de tournage improvisées, qu’est né Departures, une comédie dramatique queer aussi hilarante que déchirante. Ce premier long métrage de Lloyd Eyre-Morgan et Neil Ely, deux cinéastes issus de la classe ouvrière britannique, sera présenté en novembre à Montréal après avoir conquis le public du festival BFI Flare à Londres.

Jimpa est une œuvre profondément personnelle de la réalisatrice australienne Sophie Hyde, qui puise dans son histoire familiale pour interroger les liens, l’identité et les héritages queer.  Le film met en scène Hannah (Olivia Colman), cinéaste australienne, qui entreprend avec sa fille non binaire adolescent.e, Frances (Aud Mason-Hyde), un voyage à Amsterdam pour retrouver le père de Hannah — le charismatique Jimpa (John Lithgow), en quête d’un lieu d’authenticité queer, souhaite rester vivre avec Jimpa pour une période prolongée, forçant Hannah à revisiter les tensions, les non-dits et les blessures du passé. 

Au premier abord, Skiff de la réalisatrice belge Cecilia Verheyden semble voguer sur des eaux connues: celles des drames d’adolescence marqués par les tensions familiales et la découverte de soi. Mais au fil du récit, le film s’émancipe de ses apparences convenues pour atteindre une intensité émotionnelle rare, portée par une justesse désarmante et une pudeur bouleversante. Skiff s’impose comme une œuvre d’une grande délicatesse sur les premiers émois et la difficulté d’exister autrement.

Le film Outerlands, premier long métrage de la réalisatrice et scénariste américaine Elena Oxman, est une réflexion douce et surprenante sur la « famille choisie » quand on est queer et pauvre en Amérique. Outerlands sera présenté en première québécoise au festival de films 2SLGBTQ+ de Montréal, image+nation qui aura lieu entre le 20 et le 30 novembre.

Dans une ville à la dérive, un jeune homme gai endosse tour à tour les identités de ses anciens amants : acteur, professeur, livreur, architecte… À chaque nouvelle rencontre, il se présente sous un autre visage, rejouant les récits qu’on lui a confiés comme s’ils étaient les siens. C’est seulement en se faisant passer pour quelqu’un d’autre qu’il a l’impression d’être vraiment lui-même. De rendez-vous en rendez-vous, entre tendresse, malaise et violence, il s’enfonce peu à peu dans un brouillard où se confondent vérité, désir et illusion.

Le film basque Maspalomas, qui sera présenté au prochain festival de films LGBTQueer de Montréal, image+nation est ce projet singulier, situé entre la lumière des Canaries et les ombres d’un foyer pour aînés. Réalisé par Aitor Arregi et José Mari Goenaga, du collectif Moriarti, ce drame délicat explore la vieillesse, le désir et la peur de se révéler à soi-même. Rencontre avec les réalisateurs de Maspalomas.

Après le grand succès dans les festivals de leurs films précédents (comme Marco, ou encore The Endless Trench et Loreak), les réalisateurs Jose Mari Goenaga et Aitor Arregi reviennent avec leur nouveau film, Maspalomas, une histoire intime qui plonge dans le sujet de l’homosexualité chez les aînés à travers le voyage d’un homme de 76 ans confronté à des peurs et des dilemmes qui traversent les générations.

Il y a des films qui se glissent doucement sous la peau, qui ne cherchent pas à éblouir mais à révéler des blessures enfouies. In Ashes, du cinéaste danois Ludvig Christian Næsted Poulsen, appartient à cette catégorie rare. Ce drame d’une grande délicatesse suit la lente dérive d’un jeune homme gai dans la vingtaine, incapable de se remettre de son premier amour. Dans un monde où l’on efface et remplace d’un simple balayage de doigt, la douleur du deuil amoureux devient ici une exploration poignante de la solitude moderne et du besoin viscéral de connexion.

Et si Miguel de Cervantès, l’auteur de Don Quichotte, avait vécu une histoire d’amour inattendue avec son ravisseur ? C’est l’hypothèse qu’explore The Captive (El cautivo), le plus récent film d’Alejandro Amenábar (The Others, Mar adentro), présenté comme une «réécriture historique». 

Avec Only Good Things (Apenas Coisas Boas), le cinéaste brésilien Daniel Nolasco signe un film aussi déroutant qu’envoûtant, où le désir, la mémoire et la mort s’entrelacent dans un univers aussi sensuel que spectral. Après Dry Wind et Mr. Leather, Nolasco poursuit son exploration des masculinités queer et du rapport trouble entre érotisme, violence et liberté.